Domenico Theotocopoulos, connu sous le nom de El Greco (Candia, 1540 – Tolède, 1614), La Pentecôte, 1605-10,       275 x 127 cm, peinture à l’huile, Madrid, Musée du Prado

Le grand tableau par El Greco, qui se développe verticalement comme ses personnages, présente deux points centraux, autour desquels se construit la scène. En haut, là où les Apôtres se groupent avec Marie et les femmes, l’obscurité s’ouvre et la colombe, symbole de l’Esprit qui s’introduit et expose sa force, apparaît sous forme de flammes au-dessus des personnages qui remplissent la partie basse de la peinture. Comptons-les. Marie au centre, cinq à sa droite et quatre à sa gauche. Trois autres se trouvent sur les côté au plan intermédiaire, et finalement deux – les plus proches de nous qui regardons –au premier plan et tournant le dos. Il y en a quinze, comme nous le disent les Actes des Apôtres (cf. 1 :14).

Maître Bertram (Minden, 1345 environ – Hambourg, 1415), L’Ascension, 1390 environ, huile sur bois, cm 52 x 51, Hannover, Niedersächsisches Landesmuseum

Le petit bois du peintre allemand fait partie d'un grand tableau – le Polyptyque de la Passion – où l'on trouve plusieurs épisodes relatant la Passion, la Mort et la Résurrection de Jésus. Cette représentation du thème de l'Ascension nous émerveille. Ce n'est pas une reproduction partielle, mais le Maître a voulu représenter précisément de cette manière particulière le moment du détachement de Jésus de la terre.

Matthias Grűnewald (Wűrzburg, 1475 environ – Halle, 1528), La Résurrection, 1512/16, huile sur bois, cm 269x143, Colmar, Musée d’Unterlinden

Le grand panneau fait partie d'un polyptyque monumental, commandé en 1512 à Matthias Grünewald, par le prieur sicilien Guido Guersi, pour l'autel de l'église du monastère de Saint-Antoine Abbé sous le Mont, connu comme le Grand Ballon d'Alsace, dans les environs proches du village d'Issenheim.

Fra Angelico (Vicchio, 1395 environ – Rome, 1455), Noli me tangere, vers 1440/41 (cm 180x146) – fresque – Florence, Musée Couvent de San Marco

C'est un jardin, l'endroit où ils l'avaient enterré ! Il y a les fleurs, les plantes qui lancent leurs branches vers le ciel, il est séparé par une palissade qui marque sa limite et, à gauche, il y a le nouveau sépulcre ouvert. Au centre les deux protagonistes de la scène. Regardons. Mieux, contemplons-les.

Antonello de Messine (Messine 1430 –1479), La Crucifixion, 1475 – huile sur bois cm 59,7x42,5 – Anvers, Musée royal des beaux-arts

Le petit tableau devait certainement être utilisée pour la dévotion privée d'une personne importante qui avait commandé la peinture. Antonello a mis sa signature en bas à gauche où il a écrit: "1475 - Antonellus messaneus me pinxit" (Antonello de Messine m'a peint en 1475).

Simone Martini (Sienne, 1284 – Avignon, 1344), Le portement de  croix, vers 1335 – tempera sur bois, cm 30x20 – Paris, Musée du Louvre

Le Portement de  croix constitue la face de l'un des volets d’un petit retable de dévotion privée, peint sur ses deux faces. Lorsqu’il était ouvert, on pouvait voir quatre scènes de la Passion du Christ, Le Portement de croix (au Louvre de Paris), La Crucifixion et La Déposition (au Musée Royal d’Anvers) et La Mise au tombeau (à la Gemäldegalerie de Berlin). Il s’agit donc d’une méditation sur les derniers instants de la vie de Jésus.

Titien (Pieve di Cadore, 1490 environ – Venise 1576), Le couronnement d’épines, 1570 environ – huile sur toile, cm 280x182 – Munich, Alte Pinakothek

Ce qui est impressionnant dans ce grand tableau de Titien, c'est la cruauté de la scène. Déjà, l'histoire de l'Evangile est dramatique, comme on peut lire dans le texte de Marc: “Les soldats l’emmenèrent à l’intérieur du palais, c’est-à-dire dans le Prétoire. Alors ils rassemblent toute la garde, ils le revêtent de pourpre, et lui posent sur la tête une couronne d’épines qu’ils ont tressée. Puis ils se mirent à lui faire des salutations, en disant : «Salut, roi des Juifs !» Ils lui frappaient la tête avec un roseau, crachaient sur lui, et s’agenouillaient pour lui rendre hommage” (Mc 15, 16-19, mais aussi Mt 27, 27-30 et Jn 19, 2-3). Jésus est abandonné au centre de la scène, tout seul, à la merci des quatre soldats qui l'entourent. La scène est comme dirigée par les roseaux qui sont habilement manipulés. Nous ne pouvons qu'imaginer la douleur que chaque coup du roseau pouvait infliger à Jésus, car à chaque coup les épines s’enfonçaient davantage dans sa tête.

Le Caravage, Michelangelo Merisi dit le (Milan, 1571 – Porto Ercole 1610), La flagellation, 1607-1608 – huile sur toile, cm 286x213 – Naples, Musée national de Capodimonte 

Après le meurtre dramatique de Ranuccio Tomassoni le 28 mai 1606, le Caravage est contraint de fuir Rome. Désormais recherché par les gardes de l’État papal, à la fin de l’année il se rend dans la ville voisine, Naples où il trouve protection et calme suffisants pour recommencer à peindre.

Duccio di Buoninsegna (Sienne, 1255 environ –1318 ou 1319), L’arrestation de Jésus, 1308-1311 – huile sur bois, cm 50x76 – Sienne, Musée de l’œuvre de la Cathédrale

Voici l'une des vingt-six scènes de la passion du Christ – peinte sur quatorze panneaux – qui ornent le verso du grand bois qui représente la Vierge sur le trône avec l'Enfant, vénérée par les anges et les saints.

Hieronymus Bosch (‘s-Hertogenbosch, 1453 –1516), L’adoration des Mages, 1495 environ – huile sur tableau – Madrid, Musée du Prado

La scène que le grand peintre hollandais a représentée met sous nos yeux des éléments traditionnels et des éléments novateurs et très particuliers, en commençant par le choix de la forme du triptyque. Dans les panneaux latéraux, il a peint à gauche et à droite les deux commanditaires de l'œuvre avec leurs saints: Peter Bronckhorst avec Saint Pierre et son épouse Agnes Bosshuysse avec Sainte Agnès. Le beau paysage qui sert de toile de fond aux trois panneaux, au-delà de la beauté de la nature et de la richesse de l'eau, montre à un observateur attentif des détails qui laissent entrevoir la possibilité d’une lecture symbolique: dans le panneau central, deux armées face à face, dans le panneau de droite deux passants qui sont attaqués par des loups.

Francisco de Zurbaran (Fuentes de Cantos, 1598 – Madrid, 1664), Immaculée Conception, 1635 environ – huile sur toile, – Siguenza, Musée Diocésain.

Le grand peintre espagnol, qui a exercé son activité principalement à Séville, interprète le sujet de l'Immaculée Conception selon les canons classiques: Marie est représentée très jeune, elle est recueillie, en prière, les mains jointes, elle porte une longue tunique blanche et son manteau, d’un bleu intense, s’ouvre jusqu’à former un volume pyramidal parfaitement équilibré. La gemme placée sur l'encolure de la robe est belle et précieuse, reproduisant le monogramme (un A croisé à un M) de la salutation angélique: "Ave, Maria".